P 圖隨筆 @ 草根散記

相片的後期製作，到底應否，又或者是否，存在着甚麼樣的底線，可以去到幾盡，一路以來，都是個沒有標準答案的哲學問題。

簡單舉個例子。甲乙二人到海邊拍攝風景，取景範圍的碎石灘上，有三幾個廢棄飲品盒。甲有理冇理，拍咗先算，後期 P 圖完成。而乙則選擇現場即時移除才拍攝。以現今修圖軟件的能力，最後得出的照片，除非擁有科學鑑證級的判別知識，否則是難以分辨出來。或者有人認為前者是對現實記錄作出干預，可是回心一想，後者現場移除，豈不是直接干預現實？更加不可饒恕！

Photoshop 的濾鏡功能加上圖層混合模式，可以創製出意想不到的效果。

其實拍攝期間的干預，何止於此。動用閃光燈、慢快門、pan 鏡、多重曝光 ……，以至簡單如加添濾鏡，都是對現實影像的干預。雖然手法層出不窮，但是目標一致，為的是改變現狀，原因是不滿現實。有人會認為，那些都是為照片加強藝術表現力的拍攝方法。小弟認同，然而以後期製作達到目的，又何嘗不是？

以柔光混合模式疊上紋理，為照片添加質感。

或者又有人認為，大幅度的明暗色彩改動可以接受，底線是不可移花接木，無中生有。然而又有否留意到，不少公認的大師、沙龍「世界十傑」，傳世作品都不乏改頭換面的雜錦合成。

模糊收藏館中的光圏模糊，朦朧之餘，還可模擬散景亮光。

從底片年代開始學習攝影，小弟經歷過攝影歷史中的黑暗時期。黑暗，是因為人們放棄了黑房。快速沖印技術面世，把業餘攝影帶進了「有拍攝、冇後製」的年代。直至攝影數碼化，這現像才得以扭轉過來。或許受此影響，雖然自己在拍攝風格方面偏向寫實，但對於數碼暗房編修後製，不但接受，甚至是某程度的渴求。事實上，最初接觸 Photoshop 時，還未擁有第一台數碼相機，當時的主要用途，就是處理從底片掃瞄得出的數碼影像。

以濾光混合模式疊上亮斑，為照片添上氣氛。

無意為 Photoshop 賣廣告，但在多年的使用過程中，除了得到需要的影像效果之外，更從中學到不少攝影理論。底片年代，攝影書藉關於曝光、色彩的論述，頗有點像古時的師傅教徒弟，佢有佢講，你有你聽，能否掌握，就看你悟性有多高。然而數碼年代的修圖軟件，儼然就是「道成肉身」，每個功能背後，都是毫不含糊的攝影科學，這無疑對學習攝影有莫大的幫助。

濾鏡收藏館中的水彩筆觸，直接注入仿畫效果。

回想起來，自己也曾就相片編修定下過某種的原則，某樣的底線。但隨着編修軟件的功能改進，展現的創作空間愈加廣闊，先前的原則底線，若非模糊，就是後撤；假如仍未放棄的話！至少，在半封城的日子裡，翻出些舊照片，作些實驗性的胡亂編修，既當學習，亦可自娛，算不得是罪過吧？

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為何拍的照片不夠美？@ 草根散記

為何自己拍的照片總不及人家拍的美？相信為數不少的攝影愛好者，都曾經提出類似的問題。可能的答案肯定不少，不同的人，不同的攝影造詣、拍攝不同的題材，都會有不同的原因。但若然要數當中最大可能、最普遍的原因，應該離不開審美能力的高低。只要稍為分析一下攝影作品的產生過程，便可知此說合理。先說明一點，以下的討論暫時撇開主觀性極高的攝影創作，例如觀念攝影，因為那類作品的美，可能超出常人可以理解的範圍。

一般而言，攝影作品的產生過程大致可以分為選景、取景、拍攝、後製四大步驟。受某景物觸動或啟發，決定進行拍攝，是為選景。於選定的景物中，透過相機的觀景器框選當中的某部份，是為取景。根據景物的特點，選定光圏、快門、感光度，以至其他的攝影參數，配合特定的拍攝技巧 (例如燈光佈置、重曝、搖鏡等等)，按動相機快門進行曝光，記錄影像，是為拍攝。將拍攝得來的原影像，作出各式各樣的編修更改，以達至所要求的效果，是為後製。

能否於某個場景之中發現美？

而貫串於整個相片產生過程之中，影響到作品能否呈現美感的重要因素，離不開作者於各大步驟中的處理能力。簡單劃分，其實就只三項：審美眼光、器材操作、編修技巧。懂得判斷甚麼是美甚麼是不美，是為具備審美眼光。器材操作則關乎諸如選用焦距、曝光設定、對焦控制等等的運用是否純熟。至於編修技巧，當然是指後期製作的能力。

能否以特定的拍攝方式，呈現場景中的美？

再進一步思考三大技能於四大步驟之中所擔當的角色，不難看出，審美眼光在整個相片產生過程之中，不但介入最多，而且地位超然。首先，四大步驟之中，選景、取景、後製，三項都與審美直接相關。餘下來的拍攝，表面看只是純粹技術操作，其實過程中各種設定的選擇，同樣以配合作品的審美判斷為依歸。由此可見，照片能否拍得美，審美功力之高低，至為關鍵。

能否透過後期製作，進一步強化美的呈現？

分析至此，本文標題的答案已是呼之欲出。不妨一問：我們對美的認識有多少？在學習攝影的過程中，研習審美的時間，與探求其他攝影相關知識資訊的時間，比例又是多少？準確的數值難以量度，然而類似以下的例子，應該相當普遍：十年「影齡」，用過 (借用也算數，不必全權擁有) 的相機三四個、鏡頭十來枝；不同牌子型號互相比較不下數十遍；實拍出動次數起碼幾百，總時數肯定過千 ……。資源委實花了不少，然而當中有多少是投放於美術鑽研之上？

攝影是一種普及的藝術，可能是除了襯衫扮靚佈置家居以外最普及的藝術。既是普及，就不能對參與其中的人有太多的要求。然而當某時某日，忽然有意識地反躬自問為何拍的照片不夠美，那麼，對審美能力的自我要求，也應當同步提升一點點了吧？

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構圖簡單複雜簡單化

構圖這東西，有時好像很簡單，有時又似乎很複雜；有時看似很複雜，其實原來又很簡單。

此話何解？何以見得？就以視線引導為例吧。不少談構圖的會將視線引導簡化為線條引導視線。那就是令視線跟着畫面中呈現的線條走；線條引向主體，視線也因而被引向主體。這樣，不是很簡單嗎？

其實這只是方法之一，要引導視線，仍有不少其他方法。例如常說的框式構圖，利用一個框，令觀者將視線聚焦於框內，不也是一種視引導的方法嗎？更簡單的，選用直幅橫幅，其實也同樣是引導視線的手段。

還要更為複雜的例子嗎？也沒問題。一般談及視線引導，大部份所指的，都是將觀者視線引導到某個主體之上；最佳效果是準確、明白、不含糊。然而有否想過，分散觀者注意力，好讓他們的視線在畫面遊走？ 拒絕一目了然，其實同樣可以是一種引導。如此一來，單就視線引導一項，便可以因應要求達至的不同效果，採取不同的方法，從而衍生出眾多的構圖招式。然而複雜程度不止於此，因為實際拍攝之時，通常還需要多招齊發。不妨就以日前在沙田城門河邊拍攝的一幅富士櫻為例，描述一下取景構圖的思考過程。

這其實是當時即場為對着富士櫻不知如何入手的同學，發掘出來的一個示範單位。當時找到了這個拍攝角度，因應櫻花的生長形態，嘗試營造出一種由上而下散落的感覺。那麼，該如何入手？就當時場景簡單分析，這可以透過畫面中枝幹的方向、粗幼變化、花朵的聚散，以至花朵與枝幹的疉合還是離散等等，作出合適的安排，從而在視覺上呈現從右上往左下流動的趨勢，也就是所謂的動勢。

單是如此描述似乎有點不着邊際，因為未有說明何謂合適的安排。具體一點，枝幹方向從右上向左下延伸、上粗下幼、上聚下散、花朵分佈上密下疏、上近下遠、對焦上實下虛等等，都有助呈現所需的動勢。然而除了營造動勢之外，還有其他的考量，主要在於均衡的方面。例如斜着的枝幹該多斜？上方的花朵應多密，下方的該幾疏 ……。這些量度上的判斷，往往正是初學者的一大難點。情況就有如煮餸，多鹽會鹹，少鹽則淡，係人都知，如何適當拿捏，才考功夫。以下選出當日拍攝的三幅照片，嘗試更細緻地說明拍攝當下的思考。

【圖一】

【圖二】

【圖三】

以上各圖中黃、橙、綠三色箭咀標示的，是幾個拍攝時特別關注的位置。先說整體觀感。
【圖一】拍的太近，以致上下兩組枝幹各據一方，加上中間的一堆花朵，形成天下三分，互不相干的局面。右面綠箭咀位置的枝幹延伸太短，上方的亦粗大，欠缺流動。過度聚焦中央的一叢花朵，沒有太多「散」的感覺。
【圖二】整體略向左偏，以致右面稍覺空虛。右下虛化的花朵亦嫌過多碍眼；須知這肯定不是畫面的主要元素。左上黃色箭咀位置露出了一堆清楚的小花，分散了注意力，削弱了由上而下的感覺。
【圖三】黃、綠兩色箭咀標示位置的處理，與前兩圖比較，相對適中。橙色箭咀，關注點在於花朵與枝幹的距離，稍作重疊看來更能展現深度。由於懶用腳架是小弟的風格，拍攝時花了不少力氣，手騰腳震才拍出滿意的疊合程度。三幅之中，這一幅枝幹的鈄度最大，向下流動稍嫌太過急速。
現場拍攝的當然不只三幅。將畫幅題字也加入考慮之後，結果就以本文中第一幅作為首選。

以上的例子，可說是頗為典型，為數不少的作品，拍攝時都經過類似的思考取捨。而這思路，往往還要延續至拍攝之後的相片選擇，以至作品剪裁。

選這照片作為例子的其中一個原因，是當中沒有明確的主體。畫面的表現，是重意多於重形；上述的處理方式，就是以形狀帶出感覺。如此一來，很多平時看似立竿見影的構圖法則，頓然變得都不管用。例子中主要是應用均衡原則，來處理粗幼、疏密、聚散、虛實等幾項對比，以逹至所需的視線引導，以及整體畫面的視覺均衡。簡而言之，離不開基本美學原則的運用 ( 關於美學原則，請參閱文末所列相關拙文 )。因此，這例子也間接說明了學習與運用構圖技巧的兩個重點。先說學。不能只學招式，不學原理。即使不懂武術的人都會知道，學功夫只學招式，必然流於花拳綉腿。再說用。運用的基本原則就是目的、效果、方法，三方面兼顧；明確目的，嘗試不同方法，以期達至最佳的效果。

構圖，驟眼看變化多端，相當複雜。然而萬變不離其宗，只要明白箇中道理，掌握幾個原則手段，一切又會顯得順理成章，相當簡單。

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真觀感 vs 偽直出

有啲人以為唔做後製，JPEG 直出就係原汁原味，其實當中有不少並不美麗的誤會。

首先，曾經用過多於一部相機的人都會知道，同樣光圏、快門、ISO、焦距，拍攝同一景物，使用不同相機得出的影像，分別可以好大。因為所有拍攝完成見得到的影像，都係經過相機的內部處理而成，而處理手法，卻是不盡相同。換言之，同是乾炒牛河一碟，不同的相機，會用不同的豉油，整出不同的汁，根本就冇絕對的原汁。廠商永遠話你知，新型號的豉油好味過舊型號。

相機唔問過你自把自為落調味，並不一定係為咗靚，亦會係因為原材料有啲缺憾。例如，落幾片薑，就係要辟走啲腥味。早期啲數碼相機，感光元件未夠先進，又多數設有低通濾鏡，影出的原影像反差不足，亦比較朦，所以必定略加反差稍加銳化才示之以人。請問，此汁此味何原之有？其實何只咁，唔怕話你知，每幅照片最原始的數據，若不經處理，跟本唔見得人，情況就有如未曾煮熟的一碟餸。之所以叫做 RAW，不無原因。

其次，一啲 JPEG 與其話係直出，不如話係「預設簡單後製方案影咗之後唔該照單整好先上枱」。例如拍攝之前選定風景模式，調較色溫、設好落幾重手 D-Lighting，然後撳快門，「叱咤」一聲 ...... 直出？錯！錯！錯！

實情係 CMOS 感光、訊號放大、經廠商引以為傲的乜乜物物影像處理器作基本處理，運算出影像數據之後，就係連串你以為唔係後製的後製，包括你選用乜嘢色彩空間，Adobe RGB 定 sRGB，當然亦唔少得閣下預先講咗話唔當係後製的一堆後製設定。搞掂晒，先至轉成可見影像俾閣下欣賞。

其實，除咗整個成像過程係偽直出 (pseudo direct output) 之外，「直出」的影像，觀感亦不一定比有編修的更貼近現場所見。原因係一般人睇景，唔係好似相機咁一下子將眼前影像化作平面照單全收，而係眼光同注意力會在場景中的各個部位遊走，作出「主觀掃瞄」。呢種主觀掃瞄的一大特徵，就係「擇善固執」，即係話，按照自己認為啱睇的觀感執出嚟。以下面的附圖為例，天空的雲霞係靚嘅，人物面孔五官，以及右面啲雜物係清楚嘅。可惜，喺光差強烈情況下，相機的一次曝光係冇辦法可以如「實」報導，反而經過適度後製，才更接近現場觀感上的「實」。

以上所說的「實」，當然並非物理上的實在，而是感覺上的實在。若然有人認為感覺上的實在不比物理上的來得重要，不妨試試於不大炎熱的日子，淋濕全身，然後走到強風之中感受一下體感溫度的滋味。