維園花展拍攝出奇招

若然涉獵攝影已有一段時日，便不難發現一個「真理」：要作品吸引目光，就要非一般。

別以為拍出非一般的照片，必須有非一般的技術，非一般的器材，更多的時候，關鍵在於選擇非一般的拍攝條件；例如非一般的時間，非一般的地點，非一般的題材等等。

就以拍攝維園花展為例，日間的維園花展，人多擠迫不在話下，碰上像今年那樣，早春時節竟然來個「小陽夏」，又熱又鬧的，足以蒸發一切創意。反觀晚上的展場，一方面免除了日間的喧鬧，讓你得以好整以暇，冷靜發揮攝藝；另一方面，夜間的燈光，絕對為我們提供了大量非一般的拍攝條件：非一般的色彩，非一般的光向，非一般的光質 ...... 。

由下而上，光向明確集中，質感豐富；與日間相比，夜間展場中的燈光照明，輕易為照片提供非一般的觀感。

除了色彩繽紛之外，人造光原另一偉大之處，在於其照明範圍狹小，這使到拍攝場景中充滿明暗交錯，不像日間的一目了然；攝影中經常提到的減法處理，可以輕易實現。在這情況下，即使你沒有帶備大光圏或長焦鏡頭，亦可以利用燈光照明，輕易拍得到主體突出的作品。以下就以幾幅「夜秋英」為例，看看如何實現這種借助燈光的表現方式。事實上，論花展場中的花多勢眾，非秋英莫屬。但這美妙的小花，在日間，似乎只能充當花展的大配角。如今借助夜間的燈光，把一切日間的紛擾，隱藏於昏暗之中，原來也可以獨顯孤芳，把日間的主角比下去。

泛光燈旁的白秋英，不用花巧的特技拍攝也覺夢幻 ......

被強光照射着的紫秋英，花瓣通透；隨手配襯明亮的一片，隨意安排散亂的幾枝，又添上了多少嫵媚 ......

若嫌花朵色彩不夠繽紛，借用幾個亮橙橙的乒乓球吧 ......

就是如此簡單！平凡的小花，只是借助了非一般的燈光照明，便顯得不平凡。

當然，若然仍不滿足於燈光創製的繽紛夢幻，又總是慣於搞點特技的，也可以在這基礎上再加以發揮，故意失焦，重複曝光，舞光弄影 ...... 。

然而小弟之見，味精與添加劑的使用，適可而止為佳！

維園花展拍攝三幾招

香港是石屎森林，然而可觀賞花卉的機會卻不少，公園、郊野，以至路旁、住宅的平台花園，很多時都可以看到各種美麗的花卉。雖然如此，每年的維園花展，仍然吸引不少觀眾。首先是因為展出的花卉品種多而且集中，其次是花卉都會配上精美的攤位設計，晚上還有大量的燈光照明，這使到在花展中賞花，有別於一般的場合。但另一方面，花展花多，人也多，展場中熱鬧非常，這多少亦影響到賞花者的心態；你很難悠閒地觀賞，抱着逛年銷市場或工展會的態度反而差不多。

事實上，花展就如很多不同類形的大型展覽，除了展出各類花卉之餘，亦不乏嘉年華會元素。如此一來，所謂花展拍攝，題材內容是相當廣泛；可以拍花，可以拍人，可以拍攤位設計，也可以拍活動花絮。若然拍友事前並沒有明確拍攝方向的話，很容易會因花多眼亂而感到迷茫非常，老鼠拉龜，不知如何入手。遇到這情況，建議先在展場漫遊一周，才動手拍攝。話雖如此，始終花展場中花卉是當然主角，因此這裡亦不把話題扯得太遠，只集中分享幾點花展場中的花攝技巧。

平時到花店購買鮮花，跳舞蘭大多只是用作配襯，但在2015維園花展中，她卻擔當主題花要職。這花展中的主角，配以攤位設計的金屬裝飾上鏡，觀感截然不同。

相信是基於技術理由與場地限制，花展中展出的花卉，以草本觀賞類為多。不同於桃、李、梅、櫻等木本花卉，拍攝時往往枝幹都可大作文章，草本花卉的觀賞重點較集中於花朵，因此，花展中的拍攝表現手法，多以近拍、特寫為主。

注意事項

特寫拍攝基本要求是突出主體，花卉特寫亦不離這個原則。基本技巧方面，則以下列幾點為主。

1.  背景

要突出主體，最常用的手法莫如選取或製造簡單素淨的背景。採用長焦、微距，或者大光圏鏡頭，由於景深淺，因此都能有效虛化背景。但即使背景已虛化，往往仍存在可辨別的形狀，因此，依然要留意這些形狀在構圖上對主體的影響。此外，亦要留意色彩與主體的配合，例如以深色背景襯托淺色的花卉。

2.  對焦

淺景深固然容易虛化背景，但同時亦容易對焦不準，即使相機對焦準確，但稍一移動，便又會失準，需要重新對焦，因而要份外留心。此外，對焦位置亦非常重要。一般而言，應以花蕊為焦點，而群集的花蕊又以近處的部份最重要。這好比拍人像，重要的是較近相機的眼晴對焦清晰，其餘略為模糊亦可接受。

3,  測光

花朵的顏色變化很大，拍攝特寫時，由於花朵佔據畫面相當多的部份，因而對測光有明顯影響。要妥善處理，當然離不開白加黑減這基本的曝光補償原則了；淺色花，+EV，深色花，-EV。

4.  光線

光線對花朵質感影響明顯，不同種類的花朵，需要配合不同性質的光線才能表現其獨特美態。一般而言，正光、強光大都不討好。而逆光則對淺色花朵有利，可以拍出通透的花瓣。

5.  角度

平常看盆栽花卉，不是居高臨下，便是平起平坐，絕少以低角度觀賞。但拍攝時則不妨一試。改變拍攝角度，亦是獲取適當背景的有效方法。相對而言，低角度較容易取得素淨的背景，也容易與鄰近的花朵作出配襯。因此，帶一小摺櫈或者有着數，可以坐下來舒適地拍，善煞旁人。


器材配備

拍攝花卉特寫，最好備有長焦鏡、微距鏡，或大光圏鏡頭。其他輔助器材方面，一般都會建議採用三腳架、反光板和閃光燈。前者用以保障拍攝穏定，後兩項用來補光。表面看，這些建議都合理，但實際臨場發應用時，卻可能大有落差。

先說三腳架。三腳架不錯有助拍攝穩定，但欠缺靈活性，在人多擠迫的場合，這弱點更見明顯。此外，戶外拍攝花卉，花欲靜而風不息，單是相機鏡頭穩定並不足以保持影像清晰；移好腳架，調好鏡位，對好焦點，耐何遇上風吹景動，並不罕見。碰到這等情況，要麼就是耐心等候，要麼就是重啟移位、調鏡、對焦三部曲。反觀手持拍攝，卻可以隨機應變，靈活非常。事實上，正因風吹花動，拍攝時往往用上較快快門，腳架的重要性，亦隨之而降低。若然要有足夠靈活性，但對手持拍攝又沒信心.，採用中庸之道，使用單腳架是個不錯的選擇。

至於使用反光板或閃光燈，亦同樣有相當限制。須知道花展場面是如何墟冚，擺弄器材並非想像中那樣方便容易。況且你想拍攝的主體，不一定靠近花甫的邊沿，更多的花卉只可遠觀，不可褺玩，因此，要達至有效補光，往往不是一般的小型反光板或閃光燈可以勝任。小弟愚見，與其艱苦經營架設各類器材，不如多花點精力去選取條件適合的拍攝對像；拍攝後需要的小修小補，就交給 Photoshop 吧。

此外，亦有人建議使用偏光鏡。偏光鏡能去除被攝物表面的反光，因而增加色彩飽和度。然而問題正在於此。有經驗的拍友都知道，紅、黃花難拍，尤其在光線平均柔和的情況下，拍出來就是紅的、黃的一團，看不出層次細節。究其主因，正是色彩太濃。相反地，若有較「硬」的光線，例如陽光照射的情況下，反射光降低了部份花瓣的色彩飽和度，再加上陰影，就能為花朶添加層次。由此可見，偏光鏡不可濫用；使用時必須清楚具體情況，若主體本身色彩濃郁，盲目使用有可能會適得其反。事實上，濃郁色彩不是演繹美麗花卉的唯一方法。


拍攝示例

選到了合適的背景，作品已成功了一半。

背景的選擇應與花朵的色彩形狀相配合。這花形狀典雅，色彩較沉鬱，背景色彩不宜亮麗浮誇。

近距離拍大特寫，沒可能整朵花都合焦清晰。對焦花蕊，是穩妥正路的方法。

適當選擇角度，加上長焦鏡的淺景深效果，不難拍出不一般的觀感。

柔光之下，花朵鮮艷的色彩顯得更飽和，但亦可能會因而削弱層次細節。拍攝鮮紅色的花朵時更需加倍留意。

花卉的色彩變化就如形態一樣多變，淡妝濃抺都不妨一試。

解讀 Evening with Fan Ho （四、決定瞬間）

何藩被譽為「東方布列松」，參與者當然希望他會在座談中分享對「決定性的瞬間」（The Decisive Moment）的看法。然而，他在這方面卻着墨不多，當主持人提到時，只三言兩語便轉到他關於「第二次構圖」的觀念裡去（請參看本文第二章）。其實這並不意外，只要我們將西、東兩方布烈松的作品稍作比較，不難看出後者對攝後製作有明顯的倚重。若然再深入思考之前討論過的「第二次構圖」和「主觀真確性」，便能更清楚看出兩者在攝影觀念上明顯的分別。

先看「主觀真確性」與「決定性的瞬間」的關係。「決定性」一詞，表面看很關鍵，絕對，但細味之下，卻並非如此。還記得之前一章提到於反水貨示威中的甲乙拍友嗎？由於兩者對事件的立場觀點不同，從而希望拍到的畫面也不一樣；順理成章，甲與乙心目中的決定性瞬間，自然有所差異。簡而言之，所謂決定性，只是拍攝者主觀的決定性；同一場合，同一事件，有多少個攝影師，就可以有多少個「決定性的瞬間」。由此可見，強調主觀真確性，即使沒有否定「決定性的瞬間」，也將其重要性明顯淡化。著名攝影集《美國人（The Americans）》的作者羅柏˙法蘭克（Robert Frank），就曾經提到「每個瞬間均有其價值」；這論點當然與「決定性的瞬間」大相逕庭。

至於「第二次構圖」，同様賦予「決定性」更多的可能性。事實上在座談中，何藩是先提出「第二次決定性的瞬間」，然後才過渡到「第二次構圖」的論述。無論採用什麼名詞，都表示何藩不單只接受，而且重視攝後製作。然而攝後製作，肯定不是布列松杯茶，他甚至連拍攝用的器材，以至照片的表現方式也非常講究：Leica相機，50mm鏡頭；照片不要裁切，沖曬時最好印出底片框；鍾情黑白不用多講，沒有敘述文字更好 ……；在在反映了他對『決定性的瞬間』的忠誠。在何藩的作品中，我們找不到很多對「決定性的瞬間」的堅持與執着；看到更多的，反而是出人意表的表現方式。

從以上分析來看，人們以「東方布列松」讚譽何藩，主要是因為他的攝影造詣，而不是基於他的作品風格。

【全文完】

解讀 Evening with Fan Ho （三、主觀真確）

座談中關於攝影真確性的論述也是相當精彩。何藩指出攝影的真確性可以分為客觀和主觀真確性兩種。客觀真確性容易理解，但主觀真確性 ……，又是什麼東西？

不妨以近日城中熱話為例。假設甲與乙兩位拍友同時處身反水貨示威現場，面對打罵遊客場面，甲感到大快人心，乙則對示威者的暴力行為看不過眼。由於感受與觀點不同，甲會拍攝某遊客被推跌變滾成地葫蘆，狼狽不堪，旁觀者拍掌叫好的場面；至於乙，則可能會拍攝示威者惡型惡相、面目猙獰，被罵者楚楚可憐的狀況。兩者拍攝的照片都沒做假，都真確，只不過按照各自的主觀感覺，截取不同的瞬間畫面而已。在這種情況下，照片表面上是客觀記錄，其實反映了作者的主觀感受，然而兩者都真確。

以上案例是對一般的所謂寫實作品而言，其實主觀真確性的威力，絕對不止於此。將主觀真確性引入攝影作品中，意味着任何作品，無論表現手法是觀念、是超現實、是抽像，都真確，只在乎你怎樣看待作者的意圖。這無疑會引發很多的爭論，然而，若然我們能敞開胸襟，接受主觀真確性的觀念，亦不無好處，因為我們可以有更多的欣賞選擇，也可以有更廣闊的創作空間，正如何藩在座談中所說的「可以盡情地利用不同的手法：如實驗性、抽象性、前衛性等，去進行創作。」

事實上，人們對攝影中客觀真確與主觀真確的選擇性運用，由來已久，相信大家都留意到，紀實攝影總是鍾情於黑白。其實，論忠實反映客觀景像，黑白又怎比得上彩色？人們對黑白紀實照片偏愛的一個重要原因，正是緣於黑白照片某程度抽離了客觀真確，從而留給主觀真確更多的表現空間，也能「令觀看者有發揮自己想象的空間。」

攝影作品中抽空了客觀真確的部分，是觀者與作者的主觀感受相互共鳴的空間。

【待續】

解讀 Evening with Fan Ho （二、二次構圖）

第二個值得探討的觀點是第二次構圖。有些人喜歡將構圖等同取景，其實取景只是第一次構圖。抇攝回來，看過全幅印相後，作出剪裁，就是第二次構圖。若非唯一，攝影可說是最強調第二次構圖的平面藝術；不單只有第二次，有時更可以有第三次，以至多次。而促使作者作後期構圖的意念，往往與拍攝時的構思完全不同。我們大概都有過不少拍攝時失手，用錯光圏快門，又或者失焦手震，結果卻有意外收穫的經驗。在這方面，攝影家總是相當務實；管它是否誤打誤撞，啱睇就是佳作。

既然第二次構圖如此重要，如此好用，為甚麼何藩在座談中提出時，聽起來又好像很有新意呢？另一方面，為何又會有人忽略第二次構圖，將構圖等同取景呢？似乎沒有太多人深究箇中原因；個人認為，這與攝影發展過程相關。

回顧攝影發展，其普及性的第一次飛躍，大概始於上世紀七十年代，在此之前，能拍出一幅像樣的照片，並不容易，即使不需專業，至少也得有點非業餘知識。大家不妨想像一下：手中相機沒有自動測光，該怎麼拍？那時代拍攝之難，不言而諭。

從七十年代，到八十年代，攝影先後出現了『數碼攝影前』三大發明：先是自動曝光，後來是快速沖印，之後再加上自動對焦。這三大發明，無疑使拍得一幅像樣的照片變得相當容易；那些年，無數一小時3R快速沖曬店，日以繼夜，不停地印出色彩繽紛的照片。

不過，可惜的是，絕大部份的業餘攝影人都是技止於3R，頂多給你再放至NR（N大於3）。裁放？肯定是高級組的事情；自已放？咪講少啦！如此這般，還有第二次構圖的餘地嗎？

可以這麼說，『數碼攝影前』的普及化，是一次不完整的普及化，只普及了拍攝這一部份。至於後製部份普及化的歷史任務，現正由 Photoshop 及一眾數碼光房暗房進行得如火如荼！

註︰關於普及攝影如何影響構圖，本站另一文章《攝影構圖漫話 # 5 — 遺忘色調》亦有論述。

【待續】